Lecciones de Piano: Introducción al Jazz-Blues

Autor: Giovanni Miranda

Reseña Histórica

El Jazz y el Blues son estilos musicales indígenas estadounidenses que surgieron a fines del siglo XIX y principios del siglo XX, con raíces similares en la cultura afroamericana. Desde este período hasta la actualidad, los caminos de desarrollo del Jazz y el Blues se han entrelazado en diversos grados. El término Jazz-Blues se utiliza para describir la música que combina significativamente elementos de ambos estilos.

El Jazz-Blues puede definirse como la fusión de ambos géneros y mientras el Jazz cuenta con armonías y ritmos avanzados que rompen con patrones tradicionales, el Blues mantiene sus armonías y ritmos simples. Con diferentes definiciones y mucho en común, el Blues y el Jazz se caracterizan por su sonido apasionado y una musicalidad única.

Características musicales

En esta fusión, en comparación con el Blues básico, los elementos del Jazz incluyen típicamente la rítmica, armonías avanzadas e improvisación más sofisticada, utilizando diferentes relaciones de escala/acorde. Los elementos del Blues incluyen la estructura de la forma o progresión armónica, el uso de acordes dominantes construidos a partir de diferentes grados de la escala, y las melodías basadas en escalas de Blues, así como algunos turnarounds y licks propios del Blues Tradicional.

Estilos de Jazz influenciados por el Blues

La mayoría de los estilos de Jazz de mediados del siglo XX, fueron influenciados directamente por el Blues. Desde la era de las Big Band Swing de la década de 1930 hasta el Jazz-Rock de la década de 1970 y más allá. A continuación veremos la influencia que tuvo el Blues en el desarrollo del Jazz destacando la importancia de algunos músicos de este híbrido único conocido como Jazz-Blues.

 

·       Big Band Swing (década de 1930)

Las Big Band, o grandes bandas, famosas de este período, a menudo interpretarían melodías con una forma de Blues de doce compases, por ejemplo Swinging the Blues de

Count Basie y 22 Cent Stomp de Duke Ellington. Estas canciones a menudo tenían escasas melodías y/o repetitivas que debían mucho al Blues al igual que la improvisacion.

Jimmy Rushing también agregó un estilo vocal distintivo basado en el Blues cuando trabajaba con la banda de Count Basie. En cuanto a la instrumentación y los arreglos, estaban enraizados en los estilos de Jazz Swing del período.

Figura 13.1. Jimmy Rushing

Figura 13.2. Count Basie

·       Jump Blues (década de 1940/50)

El Jump Blues fue creado fusionando elementos de Jazz, Blues, Swing y Pop. En esencia, se trataba de música de baile y fiesta, con la actuación de "honkers", o saxofonistas, y "shouters", o vocalistas. El estilo era conocido por movilidad rítmica, y sentó las bases para los estilos de R&B y Rock and Roll por venir. Entre los músicos más destacados de este estilo tenemos a Big Joe Turner, Amos Milburn y Floyd Dixon.

·       Bop o Bebop (década de 1940)

La era del Bebop presentaba pequeños combos que contrastaban con el período de Big Band, utilizando complejas  armonías e improvisaciones. Esta era música para escuchar en lugar de bailar y los músicos solían interpretar melodías de Blues, pero con arreglos más intrincados y versiones de las progresiones de acordes del Blues tradicional rearmonizadas.

Entre los más reconocidos pianistas del Bebop tenemos a Thelounious Monk, Bud Powell y Erroll Garner.

·       Hard Bop (década de 1950)

El periodo del Hard Bop representó un desarrollo más del Blues, de forma más dura del bebop, a menudo con melodías y frases simplificadas. El gran pianista Horace Silver fue un innovador en el uso de elementos Blues dentro del estilo Hard Bop. Otros grandes compositores e instrumentistas del Hard Bop incluyeron a John Coltrane y Miles Davis.

·       Cool Jazz (década 1950/ 60)

El período del Jazz Fresco o Cool Jazz contrastaba con el nerviosismo y la complejidad del Bebop, con sensaciones y dinámicas más moderadas, y el uso de ritmos más lentos. El álbum Miles Davis Kind of Blue se encuentra entre los ejemplos más famosos de este estilo. Las melodías y la forma del Blues se usaron en numerosas melodías de Jazz. Los pianistas destacados de este período incluyen a Bill Evans, Wynton Kelly y Lennie Tristano.

 

·       Soul Jazz (década 1950 / 60)

El Soul jazz presentaba Blues e influencias Góspel, y era un desarrollo más simple y más rítmico de Hard Bop. Esta era la música "Feel Good", con un ritmo bailable a menudo enfatizado con "backbeats" del baterista. Los estilos de piano y voz de Mose Allison son una buena representación de este estilo. Otros pianistas de Soul destacados incluyen Gene Harris, y el ya mencionado Horace Silver, otro innovador en múltiples estilos del Jazz.

·       Jazz / Rock Fusion (finales de 1960)

El período Jazz/Rock combinó ritmos de Rock e instrumentos electrónicos con armonías e improvisaciones de Jazz. Los conceptos melódicos del Blues, el fraseo y la forma influyeron a muchas melodías de este período. Los ritmos utilizados a menudo eran Straigth, o cuadrados,  en lugar de Swing, o corchea Swing. Este es otro estilo de Jazz en el que Miles Davis fue un gran innovador, y su álbum Bitches Brew es un clásico de todos los tiempos de este período. Los pianistas y tecladistas conocidos que surgieron de esta época incluyen a Herbie Hancock, Joe Zawinul y Chick Corea.

Debido a que el Jazz y el Blues están tan entrelazados, muchos pianistas famosos son expertos en la gama de estilos de ambos géneros y sus combinaciones. Esta es una de las razones por las cuales no es posible ni práctico dibujar una línea divisoria rígida entre ambos. Mientras continúen los estilos de Jazz y Blues, continuarán alimentándose y creando una gran música a lo largo del camino.

Ahora revisaremos los acordes y las escalas necesarias para tocar Jazz-Blues, antes de centrarnos en algunos voicings y estilos de acompañamientos de este estilo.

Principales escalas empleadas en el Jazz-Blues

Es importante señalar las escalas básicas empleadas en una interpretación de Jazz-Blues, las cuales son:

·       Escala de Blues (mayor y menor)

·       Escala Pentatónica (mayor y menor)

·       Escala mixolidia

Patrones mixolidios en intervalos de tercera

El uso de los intervalos de tercera dentro de los modos mixolidios, es una técnica común en toda la gama de estilos de Blues y Jazz-Blues. Como el modo mixolidio es una fuente de escala básica para un acorde de séptima dominante, estos patrones son muy adecuados para las progresiones de acordes dominantes que a menudo se encuentran en el Jazz-Blues. La figura 13.3 muestra el modo C mixolidio y la figura 13.4 muestra las posibilidades de terceras disponibles dentro del modo:

Figura 13.3. C mixolidio

Figura 13.4. Escala en terceras del modo C mixolidio

Los siguientes patrones descritos se aplican en acorde dominantes de C7, en muchos de ellos se usan notas de adornos que están medio tono por debajo de la tercera y/o quinta del acorde dominante. Es importante tener en cuenta que los siguientes patrones se hacen en el sentido rítmico de la corchea Swing.

 

·        Patrón mixolidio #1 en C

Este patrón utiliza los intervalos de tercera con las notas altas del quinto, treceavo (sexto) y séptomo grado del acorde implícito C7, alternando con la raíz (C) en todos los tiempos.

Figura 13.5. Patrón mixolidio #1 en C

·        Patrón mixolidio #2 en C

En el siguiente patrón se emplean las notas de adornos mi bemol antes de mi natural (b3-3) y sol bemol antes de sol natural (b5-5).

Figura 13.6. Patrón mixolidio #2 en C

·        Patrón mixolidio #3 en C

Este patrón es una variación del #2, usando un tresillo de corchea en el tercer tiempo.

Figura 13.7. Patrón mixolidio #3 en C

·        Patrón mixolidio #4 en C

El patrón #4 es una frase de dos compases, que usa anticipaciones y síncopas de corcheas.

Figura 13.8. Patrón mixolidio #4 en C

·        Patrón mixolidio #5 en C

El patrón #5 es una variación del #4 usando la octava de Do por encima de los intervalos de tercera.

Figura 13.9. Patrón mixolidio #5 en C

Patrones mixolidios en triadas

A continuación, exploraremos el uso de las tríadas mixolidias para crear patrones sobre acordes dominantes. Si tomamos todas las triadas disponibles dentro del modo C Mixolidio, que son las mismas que las tríadas diatónicas en Fa mayor ya que C Mixolidia es una versión desplazada de una escala mayor de F, y hacemos la primera y segunda inversión del modo C mixolidio con un bajo constante en la nota Do, tenemos lo siguiente:

Figura 13.10. Primera inversión de Triadas en C mixolidio

Figura 13.11. Segunda inversión de Triadas en C mixolidio

En las figuras 13.10 y 13.11 podemos observar acordes con notación Slash, empleados comúnmente en la música popular moderna. Es importante asimilar y estudiar  estas inversiones para desarrollar los siguientes patrones de acompañamiento usados en el Jazz-Blues.

·        Patrón mixolidio #6 en C

Este patrón #6 usa las tríadas con las notas altas: quinta, treceavo (sexto) y séptimo del acorde implícito C7, con la tríada final de Gm anticipando el tercer tiempo del compás con una corchea.

Figura 13.12. Patrón mixolidio #6 en C

·        Patrón mixolidio #7 en C

El patrón # 7 es una variación del #6 usando las tríadas superiores en descenso.

Figura 13.13. Patrón mixolidio #7 en C

·        Patrón mixolidio #8 en C

El patrón #8 se mueve entre dos tríadas menores en primera inversión adyacentes: Am y Gm del modo C mixolidio creando una figura característica del Blues y Jazz-Blues.

Figura 13.14. Patrón mixolidio #8 en C

·        Patrón mixolidio #9 en C

El patrón #9 es una frase de dos compases, que agrega la tríada Bb a las dos tríadas secundarias anteriores: Gm y Am.

Figura 13.15. Patrón mixolidio #9 en C

 

Rutinas de práctica

·   Es importante escuchar grabaciones de pianistas como Thelonious Monk, Duke Ellington, Count Basie, Horace Silver, Winton Kelly, Oscar Peterson, entre otros, ya que patentaron la esencia de la fusión del Jazz-Blues tanto en los conceptos armónicos como en la improvisación.

·     Repasar las escalas de Blues, pentatónicas mayores y menores aplicando los conocimientos vistos en la materia de Piano complementario.

·       Los patrones mixolidios destacados en esta lección es importante estudiarlas para al menos las tonalidades de C, F, Bb y Eb.

·    Siempre debemos mantener el concepto rítmico de la corchea Swing en el estudio del Jazz-Blues.

·    Potenciar el oído armónico escuchando grabaciones de Blues tradicional es sumamente importante.

·   Seleccionar un tema del repertorio propuesto estudiando la interpretación para al menos dos tonalidades.

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Lecciones de Piano: Introducción al Blues Tradicional

Autor: Giovanni Miranda

Reseña histórica

El Blues es una música indígena estadounidense que surgió a fines del siglo XIX, floreció y se desarrolló en el siglo XX, y sentó las bases para el R&B moderno y los estilos del Rock and roll. El Blues también tiene fuertes conexiones con otros estilos musicales tales como el Góspel, el Country y el Jazz. Muchos cantantes de Blues recibieron su formación vocal en la iglesia, y algunos artistas de este género tempranamente interpretaron tanto Blues como canciones Góspel.

Mucho se ha investigado y escrito sobre los orígenes y el desarrollo temprano del Blues. Según estas investigaciones, el primer Blues del que se tiene registro fue una canción vocal consistente en "gritos de campo" espirituales y canciones de trabajo.

Los ritmos en ese momento, finales del siglo XIX, eran en su mayoría desorganizados, y las letras eran una expresión de los problemas experimentados por la población rural afroamericana de la época. Luego, a principios del siglo XX, surgió un Blues más urbano, estructurado rítmicamente en el que el piano desempeñaba un papel importante. El Boogie Woogie o Barrelhouse,  estilos de Blues de ese período, fueron los precursores del resto de subestilos que surgieron luego.

Figura 4.1. Inicios del blues (gritos de campo)

Estilos de Blues

·       Boogie Woogie

El estilo de Boogie Woogie en el piano presenta tempos rápidos y manejo constante de elementos rítmicos para la mano izquierda. Es muy percusivo, y la mano derecha está orientada a tocar combinaciones de notas únicas y acordes sincopados. Los pianistas de Boogie Woogie de este período incluyen a Albert Ammons, Pete Johnson, Meade, Lux Lewis y Cow-Cow Davenport.

·       Jump Blues

El Jump Blues representó un estilo muy movido, influenciado por el Jazz, que prosperó a finales de los años 40 y principios de los 50 el siglo XX. Fue un precursor de los estilos de R&B y Rock And Roll. Además del piano, la agrupación jazzística típica que la conformaba incluía una sección rítmica de percusión y secciones de vientos muy enérgicas. Entre los destacados pianistas de Jump Blues figuran: Big Joe Turner, Amos Milburn y Floyd Dixon.

·       Chicago Blues

Es probablemente el estilo de Blues más reconocido. Personificado por las bandas de Muddy Waters y Howlin' Wolf de finales de los 40 y principios de los 50, este estilo amplificó el Blues y creó la ahora clásica formación de banda pequeña con guitarra, piano, bajo, batería, armónica y, en algunos casos, saxofón. Destacados pianistas en el Blues de Chicago incluyen Otis Spann, un pilar fundamental de la banda de Muddy Waters, Lafayette Leake y Memphis Slim, por nombrar algunos.

Figura 4.2. Otis Spann en el piano

Figura 4.3. Lafayette Leake en el piano

Figura 4.4. Memphis Slim en el piano

·       St. Louis Blues

Representa una variación urbana del Jump Blues, que incluye un vocalista solista o un pianista con una banda pequeña o grande. Destacados pianistas del estilo St. Louis Blues incluyen a Roosevelt Sykes,quien comenzó su carrera en St. Louis antes de convertirse en un artista fijo de la escena del Blues de Chicago, y Peetie Wheatstraw.

 

·       Kansas City Blues

Este es un estilo de Blues enérgico, influenciado por el Jazz y el Swing, caracterizado a menudo por un estilo vocal "gritado". Entre los artistas destacados de Kansas City Blues figuran: Count Basie, así como los pianistas, Pete Johnson y Jay McShann, cuya orquesta presentó al joven saxofonista Charlie Parker.

·       Texas Blues

Representa un estilo que en sus comienzos, durante la década de 1920, tenía una sensación relajada y oscilante y era representado directamente por una guitarra acústica. En la década de 1950, el Blues De Texas había evolucionado hacia un estilo eléctrico personificado por el guitarrista T-Bone Walker, con improvisaciones de influencia de Jazz y secciones de vientos. El género luego evolucionó usando líneas más pequeñas similares a las del Chicago Electric Blues, y presentando la guitarra como instrumento principal. Los pianistas destacados en el Blues de Texas incluyen a Doctor Hepcat, Joe Pullum y Dave Alexander.

·       Blues de Nueva Orleans

Este estilo de Blues es un crisol de diferentes influencias, caracterizado por ritmos y síncopas africanas y caribeñas, variaciones en la forma tradicional de blues de doce compases, coloridos adornos pianísticos y un sentimiento "relajado" pero bailable. La carrera de Fats Domino abarcó el período desde el Blues de Nueva Orleans hasta el R&B y Rock and roll, y su colosal piano estilo 12/8 se convirtió en una marca estilística. Otros destacados pianistas de Nueva Orleans, que presentan los característicos ritmos teñidos en música latína y rumba, y elaborados ornamentos para la mano derecha, incluyen: al Profesor Longhair, Huey Piano Smith, Allen Toussaint y, más recientemente, a Mac Dr. John Rebennack.

·       West Coast Blues

Este término se refiere a una variación más fluida y más influenciada por el jazz en el Jump Blues. De hecho, como la Costa Oeste, y particularmente Los Ángeles, fueron zonas de alta recepción de Jump Blues en la década de 1940, los términos West Coast Blues y Jump Blues a veces se usan indistintamente. Además, algunos pianistas de Blues de la Costa Oeste se desviaron hacia un estilo de balada de R&B más influenciado por el Góspel, entre ellos Charles Brown, Percy Mayfield y el joven Ray Charles.

·       Blues eléctrico moderno

Esto generalmente se refiere al período posterior al "resurgimiento del Blues" de la década de 1960, personificado por artistas como Buddy Guy, B.B. King y Stevie Ray Vaughan. Este estilo ha mezclado esencialmente Blues de estilo Chicago y Texas con influencias más contemporáneas de Rock y Soul. Algunos artistas de Rock orientados a adultos como Eric Clapton y Bonnie Raitt mantienen un fuerte hilo de Blues en su música, mientras que también se aventuran en otras áreas estilísticas.

Pianistas destacados de la época moderna del Blues

Podría decirse que los pianistas de Blues más destacados de la época contemporánea son Sidemen que trabajan con artistas importantes. Entre los pianistas actuales que conservan la esencia del Blues tenemos a Chuck Leavell, que ha integrado bandas como Rolling Stones y The Allman Brothers, Jools Holland, de Squeeze), Reese Wynans, pianista de Stevie Ray Vaughan, y Al Kooper, por nombrar algunos.

Estructuras de progresiones armónicas de Blues

Podemos comenzar con una observación fundamental sobre la armonía de Blues: surge de la combinación de melodías pentatónicas menores sobre acordes mayores tónicos, subdominantes y dominantes. Esto da como resultado una relación híbrida única de armonía entre melodía y armonía que depende de las relaciones funcionales familiares.

Figura 4.5. Armonía de Blues

La estructura armónica fundamental del Blues tradicional se compone de doce compases aunque algunos estilos, como el Blues de Nueva Orleans, varían usando ocho compases, repitiéndose constantemente tanto para la melodía principal en las estrofas, como para las partes solistas improvisadas de la canción. A continuación la progresión tradicional de Blues:

Figura  4.6.  Esquema de progresión armónica de Blues tradicional.

La Siguiente figura representa una progresión básica de Blues de doce compases en C:

Figura 4.7.  Progresión armónica de Blues tradicional en C

Podemos hacer las siguientes observaciones sobre la progresión de blues de la Figura anterior:

• Los acordes utilizados son de séptimas dominantes conformados por los Grados: I, IV y V para la tonalidad de C, a los que ahora nos referiremos como los acordes I7, IV7 y V7, respectivamente.

• La secuencia de doce compases se divide en tres secciones de cuatro compases cada una, de la siguiente manera:

ü Los primeros cuatro compases normalmente usan el I7, C7, en este caso

ü Los siguientes cuatro compases, es decir, desde el quinto compás, comienzan con el IV7, volviendo normalmente al I7 después de dos compases, en el séptimo compás 7

ü Los últimos cuatro compases, desde el noveno compás, comienzan con el V7, G7 en este caso, regresando al I7 en el compás 11. Los compases 11 y 12 son una sección de Turnaround que lleva una frase anticipando el comienzo de la progresión y presenta muchas posibilidades de progresión de acordes

Hay muchas variaciones en la progresión de Blues anterior, particularmente en Blues de Jazz, donde se pueden usar más sustituciones y acordes complejos.

Elemento rítmico del piano Blues: shuffle

La tradición del piano en el Blues comenzó como una burla de los sonidos del tren del ferrocarril: un bajo rítmico con la intención de capturar el patrón de clics en el riel fue una de los primeros aspectos que todos los músicos aprendieron cuando eran niños. El trabajo del pianista era mantener a la gente bailando, desarrollando un elemento rítmico llamado: shuffle.

El shuffle es un ritmo que supone la presencia de ocho corcheas desiguales por compás, tocadas de forma ternaria. Tocar shuffle es, en cierta forma, equivalente a tocar atresillado, es decir, frasear un par de notas de la misma duración que, generalmente, caben en un pulso.

La siguiente figura muestra corcheas cuadradas por cada compás:

Figura 4.8.  Corcheas “Cuadradas” (Straight-Eight)

Al leer el ritmo anterior en shuffle, se interpreta de la siguiente manera:

Figura 4.9.  Corcheas “Swing”

Ejercicio 1: Comping de un groove básico del piano Blues para la mano izquierda

A continuación, veremos el comping de un groove básico del piano Blues para la mano izquierda. Se recomienda estudiar inicialmente a una velocidad de 50 bpm, e ir aumentado progresivamente.

Figura 4.10.  Comping básico de Blues para la mano izquierda

Ejercicio 2: Comping de un groove básico del piano Blues para la mano derecha

A continuación, veremos el comping de un groove básico de piano Blues para la mano derecha. Para cada acorde notamos algunas formas de triadas simples surgidas de cada acorde. Estas triadas se pueden considerar como acordes dentro de acordes. Observemos que cada una de estas formas de triadas se construye utilizando solo las notas de la escala del acorde. Para este caso son escalas de acordes mixolidio.

Figura 4.11.  Comping básico de Blues para la mano derecha

Es importante practicar las tres formas de triada por cada acorde de manera independiente, usando el metrónomo a 50 bpm. Practiquemos su interpretación una y otra vez sobre C7, luego sobre F7 y por último sobre G7. Una vez logremos tocar competentemente cada acorde, practiquemos varias veces las formas de triada indicadas en el comping estudiado.

Comping de un groove básico de piano Blues

Ya estudiados los ejercicios 1 y 2 procedemos a estudiar para ambas manos simultáneamente.

Figura 4.12.  Comping básico de Blues para ambas manos

Rutinas de práctica

·       Estudiar con metrónomo, o quizás con un beat de Blues, lo cual será de gran ayuda para entender el sentido rítmico del shuffle

·       Para las triadas formadas dentro de los acordes de C7, F7 y G7 la digitación adecuada de la mano derecha sería con los dedos: 1-3-5

·       Estudiar el groove básico del piano Blues al menos para las tonalidades de F y G

·       Escuchar temas de los grandes pianistas de Blues: Roosevelt Sykes, Pinetop Perkins, Otis Spann, Memphis Slim, entre otros

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