Historia y definición
Inventado
en Italia por Bartolomeo Cristofori alrededor del año 1700, el piano es un instrumento
musical de cuerda percutida formado por una serie de cuerdas metálicas de
diferentes longitudes y diámetros, ordenadas de mayor a menor en una caja de
resonancia, y una serie de teclas blancas y negras. Al ser pulsadas, dichas
teclas accionan unos pequeños mazos de madera, macillos o martinetes, golpeando
las cuerdas y generando el sonido.
La
palabra piano es una forma abreviada
de pianoforte, proveniente de los
términos musicales italianos piano y forte, los cuales indican "suave" y "fuerte" respectivamente, refiriéndose a las variaciones de
volumen producidas en respuesta a la pulsación del ejecutante sobre las teclas.
Cabe
destacar que hoy en día existen tres tipos de pianos: horizontal o de cola, vertical
o de pared, electrónico digitales o electromecánicos.
Anatomía del piano acústico
Figura 1.1. Partes de un piano vertical o de
pared
Lo que hace particular al
piano vertical es que la caja de resonancia, las cuerdas y los macillos o
martinetes están ubicados, como su nombre lo indica, en posición vertical. Al contar
con dicha configuración, la parte trasera del piano permite que el sonido salga
sin ningún impedimento.
El piano vertical también es
conocido como piano de pared debido a que de forma habitual la parte de atrás
se encuentra pegada a un muro.
Figura
1. 2. Partes de un piano horizontal o de
cola
A diferencia del piano
vertical, en el piano de cola la caja de resonancia y las cuerdas están
situadas de forma horizontal, es decir, paralelas al suelo.
Como hemos visto
anteriormente, en el piano vertical no hay obstáculo para que el sonido salga
del mismo, pero en el piano de cola si lo hay. Los pianos de cola, tienen una
tapa en la parte posterior, ésta debe levantarse para hacer que el sonido salga
y se escuche perfectamente.
Relación del teclado con “el grand staff”
El
grand staff es, básicamente, la unión
de dos pentagramas con una línea invisible entre ellos, a esta línea se le
conoce como C central, que sería el C4 en el piano. El pentagrama superior
utiliza la clave de Sol para
identificar las notas y el pentagrama inferior utiliza la clave de Fa.
Como pianistas, al encontrarnos con un grand staff, debemos tocar las notas en
el pentagrama superior con la mano derecha y las del pentagrama inferior con la
mano izquierda.
Figura
1.3. Relación del teclado con el sistema
de notación musical
Ergonomía del pianista
Posición de la mano
Relaje los dedos y coloque la mano sobre una
superficie plana con todas las yemas de los dedos apoyadas sobre la superficie
y la muñeca a la misma altura que los nudillos. Es importante que la mano y los
dedos formen una cúpula. Todos los dedos deben estar curvos.
El
pulgar debe apuntar ligeramente hacia abajo y doblarse ligeramente hacia los
dedos, de modo que la última falange del pulgar quede paralela a los otros
dedos.
Figura 1.6. Posición de los dedos del pianista
La
Figura 1.6 muestra los dedos ligeramente curvados, orientándose hacia abajo y
alcanzando la superficie en ángulos de cerca de 45 grados. Esta configuración
rizada permite que los dedos jueguen entre las teclas negras.
La
punta del pulgar y las otras yemas de los dedos deben formar un semicírculo
aproximado en la superficie plana. Si hace esto con ambas manos una al lado de
la otra, ambos dedos deben estar uno
frente al otro.
Esta es solo una posición inicial. Una vez que
empiezas a tocar estas reglas desaparecen inmediatamente, pues es posible que
tengas que estirar los dedos casi en línea recta o curvarlos más, según lo que
estés tocando. Por lo tanto, aunque se deba de aprender la posición curvada
ideal, la adhesión estricta a dicha configuración fija no es correcta,
especialmente porque tiene desventajas significativas.
Posición del Cuerpo
La
altura correcta del banco y su distancia del piano también es una cuestión de
gusto personal. Para un buen punto de partida, siéntese en el banco con los
codos a los lados y los antebrazos apuntando directamente hacia el piano. Con
las manos en las teclas en posición de juego, los codos deben estar ligeramente
por debajo de la altura de las teclas. Seguidamente, coloque las manos sobre
las teclas blancas: la distancia entre el banco y el piano (y su posición de
sentado) debe ser tal que los codos pierdan su cuerpo al acercarse uno al otro.
Figura
1.5. Altura y distancia entre el banco y el piano
No se siente en el centro del banco, sino siéntese
más cerca del borde delantero para que pueda plantar los pies firmemente en el
piso o los pedales. La altura y la ubicación del banco son más críticas cuando
se reproducen acordes fuertes. Por lo tanto, puede probar esta posición tocando
dos acordes de teclas negras simultáneamente, lo más alto que pueda.
Figura 1.6. Posición del cuerpo ligeramente
hacia la izquierda
El
peso del brazo es importante no sólo como fuerza de referencia para una
ejecución uniforme y equilibrada tomando en cuenta que la gravedad es siempre
constante, sino también para comprobar tu nivel de relajación.
El
piano fue diseñado con la gravedad como fuerza de referencia debido a que el
cuerpo humano evolucionó para ajustarse muy exactamente a la gravedad, lo cual
significa que la fuerza para tocar el piano es casi igual al peso del brazo.
Cuando realizamos tareas complejas, tales como tocar un pasaje de piano
complicado, nuestra tendencia natural es tensarnos de forma que el cuerpo
entero se transforma en una masa contraída de músculos.
Es
importante señalar que al presionar las teclas, es necesario hacerlo hacia
abajo y con fuerza, inclinándose un poco hacia adelante, con todo el peso de
sus brazos y hombros, para emitir un sonido envolvente mas no ruidoso.
Asegúrese de que los hombros estén totalmente involucrados. No se pueden hacer
sonidos impresionantes usando solo las manos y los antebrazos, la fuerza debe
venir de los hombros y el cuerpo.
Si
puedes relajar todos los músculos innecesarios y usar sólo aquellos requeridos
en el momento necesario, podrás tocar
extremadamente rápido, sin esfuerzo, durante largos periodos de tiempo, sin
fatiga y con más fuerza de reserva de lo necesario para producir el más ruidoso
sonido.
Digitación del pianista
La digitación define la ubicación de los dedos
que el pianista debe emplear para ejecutar un determinado ejercicio o pieza
musical, ésta suele señalarse a manera de indicación en las partituras.
Utilizar la digitación correcta desde el inicio del aprendizaje de una pieza te
ayuda no solo a aprenderla más rápido, sino también a memorizarla de forma más
simple. Con una buena digitación podrás tocar con más facilidad y fluidez. ¡Así
que vale la pena el esfuerzo!
La numeración de los dedos del pianista es la
siguiente:
Figura
1.7. Digitación del pianista
|
M.D. = Mano derecha
|
|
M.I. = Mano izquierda
|
Tipos
de memoria en la música
En el proceso de aprendizaje de escalas,
intervalos, acordes y obras musicales, intervienen en forma combinada varios elementos.
Existen por lo menos cinco métodos básicos para memorizar:
1.
Memoria auditiva
Se
basa en la música: la melodía, el ritmo, la expresión, la emoción, etc. Esta
aproximación funciona mejor para los tipos de personas artísticas y musicales
que tengan sensaciones fuertes asociadas con su música. Aquellos que poseen
oído absoluto también les hará bien porque pueden encontrar las notas en el
piano simplemente con recordar la música. La gente que le gusta componer
también tiende a usar este tipo de memoria.
La
función más importante de la memoria auditiva es servir como el algoritmo de la
memoria. La clave del éxito en la memorización es tener un algoritmo y saber
utilizarlo. Los músicos son afortunados porque no tienen que inventar un
algoritmo. ¡la música es uno de los mejores algoritmos disponibles! Ésta es la
razón principal por la que los pianistas, en un concierto, pueden tocar por horas
sin fallar una nota.
2.
Memoria visual
Esta memoria se usa para
retener lo captado a través de la vista. Usted memoriza la partitura completa y
realmente la representa y la lee en la mente. Incluso, aquellos que piensan que
no tienen memoria visual, pueden obtenerla si la practican rutinariamente
mientras estudian la pieza desde el principio. Otra forma de aproximarse a la
memoria visual es comenzar a memorizar los datos generales primero, cuántos
sistemas tiene la partitura y cuántos compases por sistema. Después las notas
de cada compás, entonces las marcas de expresión, etcétera.
Una ventaja de la memoria
visual es que se puede trabajar en ella sin el piano, en cualquier momento,
dondequiera. Otra ventaja es que si usted pierde la concentración a la mitad de
la ejecución de una pieza, puede recomenzar fácilmente leyendo esa sección de
la música en su mente. La memoria visual también permite leer por adelantado
mientras toca, ayudándole a pensar por adelantado y a desarrollar la lectura a
primera vista.
3.
Memoria táctil
Un gran componente de su
memoria inicial será la memoria de táctil, que se adquiere practicando
repetidamente. La mano simplemente continúa tocando sin que realmente recuerde
cada nota. La "memoria táctil" tiene por lo menos dos componentes: un
movimiento reflejo de la mano que viene de tocar las teclas y un reflejo en el
cerebro a partir del sonido del piano.
Ambos sirven como señales
para que la mano se mueva de una manera pre-programada. Por lo tanto, cuando se
comienza a memorizar una nueva pieza, no hay necesidad de activar conscientemente
la memoria de la mano.
La memoria táctil es útil
porque ayuda a memorizar a la vez que se practica una pieza. De hecho, todos
deben practicar construcciones comunes, tales como escalas, arpegios,
acompañamientos de Alberti, etcétera, con la memoria táctil, de modo que sus
manos puedan tocarlas automáticamente, sin tener que pensar en cada nota.
La memoria táctil se
adquiere solamente después de muchas repeticiones y es una de las memorias más
difíciles de borrar o cambiar.
4.
Memoria nemotecnia
La memoria nemotecnia hace
referencia a un proceso intelectual mediante el cual el músico establece una
asociación de ideas, conceptos o conocimientos para recordar un pasaje o
ejercicio que ejecutará. Una manera de aplicarla es recordar la secuencia de
las teclas y los movimientos de la mano, con la música, mientras se está tocando.
Es como si tuviéramos un piano en nuestra mente.
Lo ideal para desarrollar
esta memoria, es memorizar manos separadas, o MS según sus siglas, y después
ambas manos, o AM también según sus
siglas. Entonces, cuando estemos lejos del piano, debemos tocar la pieza en la
mente, primero con MS, luego con AM. Tocar en la mente, sin el piano es nuestra
meta última usando la memoria nemotecnia como base.
Memorizar de esta forma
produce las mismas ventajas que la memoria visual más una ventaja adicional, ya
que las notas memorizadas son teclas del piano en vez de marcas en una hoja del
papel. Por lo tanto, no hay que traducir de las figuras musicales a las teclas.
Esto permite tocar con
menos esfuerzo si lo comparamos con la memoria visual, puesto que no hay
necesidad de pasar por el proceso adicional de interpretar la partitura.
5.
Memoria teórica
En el nivel avanzado, el
aprendizaje de la memoria del teclado es fácil porque los estudiantes han adquirido
ciertos conocimientos, por lo que las lecciones teóricas le darán la mejor manera
de memorizar.
A diferencia de las otras
memorias, la teórica tiene asociaciones más profundas porque la teoría conduce
a una mejor comprensión de la música y las asociaciones son más detalladas, los
pequeños detalles que usted difícilmente notó antes pueden adquirir un significado
importante.
Mediante el conocimiento
teórico podrás identificar características principales de la composición tales
como tonalidad, marca del compás, ritmo, estructura de los acordes,
transiciones de los acordes, armonía, estructura melódica, etcétera.
En resumen, la memoria del
teclado debe ser el método principal de memoria. Debes oír la música al mismo
tiempo, para que así la memoria musical sea parte de este proceso. Alista la
ayuda de la memoria visual siempre que venga fácilmente, y agrega tanta memoria
teórica como pueda. No has memorizado realmente hasta que sepas tocar la pieza
en su mente, ésta es la única forma de puede ganar confianza para tocar
musicalmente y con seguridad.
La escala mayor
La escala mayor o diatónica
es la más importante y la más utilizada a nivel de composición en la música
popular, por lo tanto es la primera que se debe aprender como estudiante de
música y piano. Esta escala está compuesta por un grupo de siete notas, el
patrón para estas notas es: Tono-Tono-Semitono-Tono-Tono-Tono-Semitono.
En resumen, la escala
mayor, también conocida como modo jónico, está formada por siete notas, con un
semitono entre el tercer y cuarto grado, y entre el séptimo y octavo grado. Es
decir, tiene cinco tonos y dos semitonos. Desde cualquier punto que se
comience, si seguimos este patrón obtendremos el sonido peculiar de la escala
mayor.
Digitación para las escalas mayores
A
continuación vemos una tabla que muestra la digitación adecuada para tocar las escalas
mayores diatónicas en las doce tonalidades con ambas manos.
Figura
1.8. Tabla de digitación para las 12 escalas mayores en ambas manos
Ejercicios 1: Escala mayor con sus arpegios
Figura 1.9. Escala y arpegio de C
Figura 1.10. Escala y arpegio de G
Note que en los ejercicios anteriores la
digitación para cada nota aparece arriba o debajo de cada figura musical. Estamos
empleando solamente dos escalas mayores (C y G mayor), en dos octavas,
terminando con el arpegio de la tríada principal de las mismas.
En el estudio de las escalas lo más importante
es apoyarse en la gran ventaja del pulgar con respecto a los demás dedos. Sin
duda alguna el pulgar tiene mayor riqueza muscular, sobrepasando en mucho la de
los otros dedos, lo que condiciona su superior movilidad y fuerza sonora,
aparte de su independencia.
Por ejemplo, note el patrón de las escalas en
la MD es 123 luego 1234, entre estos dos grupos el pasaje
del pulgar es de gran importancia para poder mantener la simetría en la
ejecución de las notas. Ahora cuando
desciende es 54321 luego 321. El dedo tres, el medio, pasa por
arriba del pulgar apoyándose del mismo para poder realizar el movimiento de la
mano con gran facilidad.
Es fundamental tocar todas estas escalas
atendiendo al pasaje de los dedos, para así producir una ejecución totalmente
impecable.
Ejercicios 2: Escala menor eólica con sus arpegios
Figura
1.11. Escala y arpegio de Am
Figura
1.12. Escala y arpegio de Em
En estos ejercicios de escalas menores eólicas
de Am y Em aplicaremos el mismo procedimiento de las escalas mayores, que
vendrían siendo los relativos menores de C y G mayor. Una forma más práctica de
ver esta escala es visualizarnos tocando la misma escala mayor desde su sexto
grado, así se obtiene la escala menor eólica. Por esa razón la armadura de
clave entre sus relativos se mantiene, y en estos casos la digitación usada
también es la misma.
Rutinas de práctica
·
Con respecto a la ergonomía en el instrumento:
ü Encuentra
una altura adecuada para sentarte, de modo que los codos estén al mismo nivel
que las teclas.
ü Siéntate
siempre en posición vertical, nunca debes sentarte con las piernas cruzadas.
ü Los
brazos nunca deben estirarse o estrecharse. Ejecuta el movimiento a través del
teclado con una sensación de "pincelada"
en el cuerpo.
En conclusión, el objetivo es utilizar la
menor potencia y esfuerzo posible en la ejecución, incluso durante los momentos
más fuertes de una canción.
·
Durante el estudio de las escalas cada pasaje
debe repetirse muchas veces pues la repetición es la mejor forma de memorizar. Por
lo tanto, no tiene sentido no memorizar mientras se estudia, especialmente
porque resulta ser la manera más rápida de aprender
·
Programa tu tiempo de práctica en una rutina
·
Se consistente. 45 minutos cada día son más
productivos que practicar cinco horas los domingos o antes del día que te
corresponda ver clases
·
Planifica la sesión de práctica. Tener
objetivos para cada semana permite un enfoque claro durante el tiempo de
práctica
·
Es importante destacar el estudio con manos
separadas (MS), ya que es la única forma de incrementar rápidamente la
velocidad con control y sin encontrar problemas.
·
El metrónomo debería usarse sólo brevemente
para comprobar el tempo, velocidad y ritmo. Si lo usas en exceso puedes
encaminarte a la pérdida de tu ritmo interno, musicalidad, e incluso a
dificultades biofísicas por exposición excesiva a repeticiones rígidas, por lo
que tu cerebro comenzará a contrarrestar al clic del metrónomo y puede ser que
o bien no escuches el clic o lo escuches en el momento incorrecto
·
Para poder memorizar y tocar bien debemos
estudiar lentamente, incluso después de poder tocar la pieza con facilidad a la
velocidad real
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