Lecciones de Piano: Introduccion al Rock

Giovanni Miranda

Reseña Histórica

El Rock es un género musical surgido a mediados del siglo XX, su nombre es una derivación de Rock and Roll, género que le dio origen, aunque es importante destacar que también otros estilos musicales como el Country y el Folk, junto al Jazz y el Blues el aportaron elementos que derivaron en su origen.

A partir del año 1950, el rock comienza a pisar los escenarios de forma convincente gracias al artista Elvis Presley, quien alcanzó posteriormente el título de "Rey del Rock". Presleygraba el tema "That's all right Mama" que, según la famosa revista Rolling Stone, fue la primera música Rock de todos los tiempos.

Figura 8.1. Elvis Presley El "Rey del Rock" 

La música Rock suele ser interpretada por instrumentos fundamentales como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, la batería y, en algunos ocasiones, el teclado.

La historia de este estilo está fuertemente conectada a los avances tecnológicos, y por esta razón existen variantes de acuerdo al uso del teclado. Los sonidos utilizados comúnmente son el del piano, órgano Hammond así como varios tipos de sintetizadores.

Figura 8.2. Modelo de órgano Hammond

Además de Elvis Presley, entre los artistas más destacados del Rock se encuentran la banda inglesa The Beatles, que desarrolló una nueva forma de música popular británica en la década de 1960, The Rolling Stones, Bob Dylan, Chuck Berry,  Jimi Hendrix, Eric Clapton y otros.

Figura 8.3. La famosa banda de rock “The Beatles”

Estilos de Rock

Algunos de los estilos del Rock más importante son los siguientes:

·       Blues Rock

Las bandas británicas como los Rolling Stones y los Yardbirds fueron influenciadas por el Blues estadounidense, en particular el sonido Blues de Chicago de la banda de Muddy Waters. Estas bandas ayudaron a crear el género Blues Rock combinando la forma de blues con ritmos e instrumentación de rock.

Destacados pianistas en este estilo incluyen a: Chuck Leavell, de Allman Brothers y Rolling Stones, Nicky Hopkins de The Who y Jeff Beck Group, e Ian Stewart de Rolling Stones y Led Zeppelin.

·       Rock Clásico:

El Rock Clásico comenzó como un formato de radio, originado de los estilos de Rock que surgieron en los  años 70 del siglo pasado. Ciertos artistas del siglo XXI como Sheryl Crow y Tom Petty producen lo que podría considerarse Rock Clásico contemporáneo, ya que su estilo de música encaja con estas canciones más antiguas. Destacados pianistas en el Rock Clásico rock incluyen a: David Paich pianista de Toto y Michael Jackson, Roy Bittan, de Bruce Springsteen, Dire Straits, y Benmont Tench, de Tom Petty y U2.

·       Hard Rock

El Hard Rock es una derivación del Blues Rock que surgió en la década de 1970, alcanzando su punto máximo a fines de la misma y principios de la década de 1980, con bandas como AC/DC, Aerosmith y Van Halen. Este género está caracterizado por tocarse con un volumen notablemente alto, a menudo con riffs repetitivos y sonidos de la guitarra eléctrica distorsionados. Los pianistas de Hard Rock de este período incluyen a: Jon Lord pianista de Deep Purple, Dizzy Reed de Guns N 'Roses y Russ Irwin de Aerosmith.

·       Rock Alternativo

El Rock Alternativo fue un término aplicado por primera vez a un tipo de Rock no convencional aparecido en la década de 1980. A finales de esa, bandas como R.E.M. y The Cure disfrutaban de un considerable éxito comercial, y este estilo llevó directamente al triunfo de otras agrupaciones de la década de 1990, como Nirvana y Pearl Jam.

El Rock Alternativo sigue siendo un género muy sólido en el siglo XXI, con bandas de mayor venta como Train y Coldplay. Los pianistas destacados de este estilo incluyen a: Mike Mills de R.E.M., Roger O'Donnell de The Cure, y Brandon Bush de Tren.

      Pop Rock

El Pop-Rock fue creado en la década de 1970 combinando las melodías comerciales y las letras accesibles de la música pop con la energía y el impulso de la música rock. Los primeros ejemplos de este género incluyen Fleetwood Mac, Elton John y Billy Joel. Este estilo alcanzó su punto máximo en la década de 1980, con artistas como Phil Collins, Christopher Cross y Hall & Oates disfrutando de gran éxito comercial.

Además de los ya mencionados Elton John, Billy Joel, otros notables pianistas de Pop/Rock incluyen a: Daryl Hall de Hall & Oates, Jeff Jacobs de Foreigner y Mick MacNeil de Simple Minds. El multifacético pianista Bruce Hornsby combina de manera experta los estilos Pop-Rock con influencias Country, R & B y Jazz.

Pianistas destacados en el Rock

Entre los pianistas más destacados dentro de este estilo tenemos a: Billy Preston, John Paul Jones de (Led Zeppelin),  Jordan Rudess (Dream Theater), Geddy Lee (Rush), Richard Wright de (Pink Floyd), Tony Banks (Génesis), Jon Lord (Deep Purple), Rick Wackeman de (YES), Ray Manzarek de (The Doors), Keith Emerson (Emerson, Lake and Palmer), por nombrar algunos.

Sensaciones rítmicas principales del piano Rock

La mayor parte de los temas de Rock están escritos en 4/4, y utilizan patrones basados en corcheas o semicorcheas. Cada una de estas subdivisiones se puede tocar de manera cuadrada o al estilo Swing, resultando esencialmente en cuatro sensaciones rítmicas principales:

·        Corcheas cuadradas o Straight eighths

·        Corcheas Swing o Swing eighths

·        Semicorcheas cuadradas o Straight 16ths

·        Semicorheas Swing o Swing 16ths

En esta lección sólo abordaremos las Corcheas cuadradas o Straight eighths.

Corcheas cuadradas o Straight eighths

El término Straight eighths se refiere a una subdivisión que parte de la negra. Cuando éstas se dividen, se convertirán en corcheas. El papel de las corcheas cuadradas en la música es dividir los ritmos musicales en partes iguales, de la siguiente manera:

Figura 8.4. Straight eighths

Observe el conteo rítmico debajo de las notas. Así es como normalmente se cuentan las corcheas cuadradas, con el 1, 2, 3, 4 cayendo en los pulsos de la negra, y el “y” cayendo a la mitad de estos pulsos.

Ejercicios 1: Grooves de straight eighths para ambas manos

El objetivo de estos ejercicios es desarrollar la destreza técnica y la coordinación de ambas manos, al mismo tiempo que se aprenden algunos voicings y patrones rítmicos apropiados para la música Rock actual.

Figura 8.5. Groove #1 de straight eighths en Em

En el ejercicio anterior, la mano derecha repite la nota E en octavas, sobre los diferentes acordes, lo que se conoce como "punto del pedal".

Dentro de las octavas de la mano derecha, las notas B y A crean intervalos de cuarta y quinta justa, un sonido adecuado para los estilos de Rock moderno. La mano izquierda está tocando la nota fundamental de cada acorde en octavas, algo típico para el estilo.

Este groove tiene una alternancia rítmica interesante entre la mano izquierda y derecha. En cada compás los acordes de la mano derecha caen en el tiempo 2, en el "y del 3" e "y del 4". Por otro lado, las octavas de la mano izquierda caen en las pulsaciones 1, 3 y 4 entre los voicings de la mano derecha, dando al patrón una base sólida.

Los beats 2 y 4 también se conocen como backbeats en la música Rock, ya que estos son normalmente los pulsos donde baterista golpea la caja. En los estilos de piano Rock, la mano derecha reforzará uno o ambos de estos backbeats.

Figura 8.6. Groove #2 de straight eighths en Em

En el ejemplo anterior, la mano derecha ejecuta un estilo de arpegio conocido como "acordes rotos" con las nota E y B sobre los distintos cambios de acordes. Cuando se repite la misma línea melódica sobre diferentes acordes se le llama: ostinato.

Esto genera un sonido muy particular y se combina con las voces de la tónica y la quinta, que va tocando la mano izquierda, para así crear un groove de Rock moderno muy práctico. Rítmicamente, hay un énfasis en ambas manos en el tiempo 1, en el "y del 2" (anticipando el tiempo 3), y en el tiempo 4. Este es uno de los ritmos sincopados más comunes que se escuchan en una variedad de estilos de Rock straight.

Figura 8.7. Groove #3 de straight eighths en Em

En el groove anterior utilizamos intervalos de cuartas en la mano derecha, basadas en la escala pentatónica menor de Em, que contiene las notas E, G, A, B y D. Los intervalos anteriores (B-E, E, D-G, E-A y así sucesivamente) pueden tocarse sobre varios acordes derivados de la tonalidad de Em.

En este caso, los acordes Em, G, Am, y D funcionan como I, III, IV y VII de Em. Mientras tanto, la mano izquierda está empleando la nota fundamental de cada acorde usando octavas. Rítmicamente, la mano izquierda está tocando en todas las subdivisiones del straight eighths, proporcionando una buena base a las variaciones rítmicas de la mano derecha.

Rutinas de práctica

·        Practicar todos los grooves vistos en esta lección con manos separadas, una vez dominados, juntarlas

·        Estudiar todos los ejercicios con metrónomo y también con un beat de Rock, comenzando por 80 bpm e ir subiendo la velocidad progresivamente

·        Una vez tenga dominados todos los ejercicios, transpórtelos y ejecútelos en otras tonalidades como Am, Dm, Bm

Si deseas aprender conceptos fundamentales y avanzados de la técnica al piano del Rock y de sus diferentes estilos, matricúlate en las clases online enviando un correo al:

giovagm23@gmail.com ó giovagm23@hotmail.com.

Cada Clase tiene un costo de 10$, lo cual incluye:

* Lección en pdf

* Guia de Ejercicios en formato Pdf o musescore

* Clase online via Skype de 45min.

Atrévete a destacarte como un pianista Profesional!

Lecciones de Piano: Aplicación del Glissando y Crushed Note en el Rock and Roll

Autor: Giovanni Miranda

El Glissando

En el piano, el Glissando  representa una clásica técnica ornamental en la interpretación del Rock and Roll. y consiste en el desplazamiento de varias notas de manera rápida a través de la escala diatónica de C mayor y  cromática. La técnica ideal para la ejecución de los glissandos  sin dolor, es usar las uñas en lugar de las yemas de los dedos.

A continuación las dos opciones básicas de ejecución de los glissandos para la mano derecha:

1.       Para los glissandos de manera descendentes, doble el pulgar de su mano derecha tratando de formar ángulos de 45 grados con respecto a las teclas, como se muestra en la figura 15.1, posteriormente,  arrastre las teclas blancas hasta la nota inferior que se indique. En la figura 15.2 se muestra la representación gráfica de un glissando de manera descendente desde el C6 hasta el C4, la figura 15.3 muestra la forma de la mano derecha para el glissando descendente.

Figura 15.1. Posición correcta del pulgar para los glissandos

Figura 15.2. Representación gráfica del glissando descendente

Figura 15.3. Posición de la mano derecha para los glissandos descendentes

2.     La segunda opción se refiere para los glissandos ascendentes; gire la mano derecha de manera que la palma quede hacia arriba y use las uñas de los dedos índice, el número 2, y medio el número 3, como se indica en la figura 15.4. También se pueden utilizar los cuatros dedos: 2, 3, 4 y 5.

Figura 15.4. Posición de la mano derecha para los glissandos ascendentes

Es importante practicar los glissandos en ambas direcciones. Casi todos los pianistas de Rock and Roll utilizan una combinación de ambas en sus interpretaciones.

Los glissandos se aplican comúnmente cuando la intensidad de la reproducción aumenta y se necesita una potencia adicional. Sin embargo, si se ejecuta de forma exagerada, escucharemos un sonido desordenado.

Aplicación de los Glissandos en el Rock and Roll

El siguiente ejercicio, mostrado en la figura 15.5, combina glissandos con patrones de corcheas en ambas manos. Es importante lograr la precisión para desarrollar rapidez, y así poder tener el tiempo justo de colocar la mano en posición para la ejecución de las corcheas. Para los glissandos de manera descendentes, asegúrate de dejar suficiente tiempo para que tu mano vuelva a la técnica de corcheas superiores.

Figura 15.5. Ejercicio de Glissandos en el Rock and Roll

Este ejercicio exige un estudio cuidadoso. Debemos tener en cuenta la digitación ideal para cada uno de los acordes posteriores a los glissandos ascendentes o descendentes. Para los compases 2, 3, 6 y 7 que ejecutamos, el acorde de F7 y adicionalmente tiene la novena, la digitación adecuada son los dedos 1, 3 y 5 para las notas la, mi bemol y sol respectivamente.

En cambio para los compases 9, 10, 11 y 12, en donde se ejecuta el acorde G7 con la onceava sostenido, la digitación apropiada los dedos 2, 3 y 5 para las notas C#, D y E respectivamente.

Muy importante el desplazamiento que la mano derecha tiene a través de todo el teclado. Fíjate que en el compás 8 la primera nota del tresillo corresponde a Bb en la octava 7 que va descendiendo por la escala de C mixolidio hasta la nota Re, esta frase inmediatamente se sigue ejecutando pero en la octava 5, generandose un cambio brusco que debemos practicarlo con precisión al igual que los desplazamientos de los glissandos.

Uso del pedal en los Glissandos

Los pianistas de Rock and Roll no usan mucho el pedal sustain, ya que el elemento principal del sonido de Rock and Roll es la fuerza percutida que se obtiene al golpear las teclas. La utilización del pedal en este efecto o cualidad armónica desdibuja el sonido real de las corcheas en las octavas superiores.

Sin embargo, al ejecutar un glissando podemos emplearlo de la siguiente manera: pisa el pedal al inicio del glissando y mantenlo presionado hasta que haya alcanzado la última nota, notarás un fantástico efecto.

  

Crushed notes o acciacatura

El rol del pianista y el guitarrista en el Rock and Roll es muy parecido. Por ejemplo, Chuck Berry fue fuertemente influenciado por la manera de tocar muchos patrones rítmicos y armónicos de su pianista Johnnie Johnson.

Sin embargo por la naturaleza del instrumento, hay algunas técnicas que puedes hacer con una guitarra que simplemente no se pueden hacer con el piano, una de esas técnicas se conoce como string bending, o doblar cuerdas, que consiste en doblar una o varias cuerdas con la mano que se ubica en el diapasón, haciendo que el tono de la nota aumente micro-tonos.

Este efecto es posible reproducirlo en algunos teclados sintetizadores que poseen Pitch Bend Wheel, o rueda de inflexión del tono, pero imposible reproducirlo en pianos acústicos.

Sin embargo, el pianista del Rock and Roll  desarrollo un efecto parecido, llamado crushed notes, o lo que llamamos comúnmente como acciacatura, que consiste literalmente en aplastar una nota extra de muy corta duración de manera anticipada a la nota principal.

Figura 15.6. Representación gráfica de Crushed Notes o acciacatura

Ejercicios de crushed notes en el Rock and Roll

El ejercicio de la figura 15.7 la nota aplastada es C# y se anticipa a la nota principal D que representa una corchea. Por otro lado, aunque la nota anticipada no aparece ante de la nota G, en la práctica la nota D y G se tocan al mismo tiempo con el C# deslizando rápidamente hacia el D.

Es importante practicar el ejercicio a una velocidad de 80 bpm e ir incrementándola hasta llegar a 130 bpm, usando una digitación con los dedos 2 y 5 para las notas D y G respectivamente, sabiendo que el mismo dedo 2 lo utilizaremos para ejecutar la nota aplastada C#.

Figura 15.7. Ejercicio de Crushed notes en el Rock and Roll #1

Este segundo ejercicio es similar al anterior, con la diferencia de que luego de realizar la acciacatura, ejecutamos notas de manera descendente. De igual manera trata de practicar el ejercicio a una velocidad de 80 bpm y sube la velocidad poco a poco hasta llegar a 130 bpm.

Figura 15.8. Ejercicio de Crushed notes en el Rock and Roll #2

En conclusión, las crushed notes son notas cortas que se anticipan a una nota o un acorde principal produciéndose una leve disonancia en su ejecución, generando un efecto que con el tiempo se ha convertido en un sonido característico del piano Rock and Roll por derecho propio, y ya representa un elemento esencial presente en todos los estilos musicales afroamericanos como el Jazz, Soul, Funk, Disco, entre otros.

Rutinas de práctica

·       El glissando es un adorno muy importante que se ha empleado a lo largo de las grabaciones presentes en el Rock and Roll. Considerado como uno de los efectos más simples y satisfactorios que puedas extraer del piano. Es imprescindible dedicar horas de estudio para instruir tus dedos a esta técnica, para ello toma en cuenta los siguientes consejos:

1.     Recuerda ubicar tus dedos a un ángulo de 45 grados con respecto a las teclas. Esta es una posición de ejecución óptima para los mismos.

2.  No presiones las teclas con demasiada fuerza, deja que tus uñas las toquen y se deslicen suavemente, presionar demasiado fuerte puede lastimar tus uñas.

3.    Comienza a ejecutar cualquier glissando muy lentamente hasta que se sienta cómodo el sonido generado y avanza lentamente hasta la velocidad requerida.

·       Recuerda que con la práctica, ¡Puedes perfeccionar tus glissandos y acciacaturas  para agregar emoción y personalidad a tus estilos musicales!

·    Intenta ejecutar con un loop de percusión o tocar en vivo con una banda y aplicas los ejercicios mostrados en esta lección, aplicando las técnicas de corcheas repetidas en octavas superiores, glissandos y crushed notes para lograr destacarte como un verdadero pianista de Rock and Roll.

·      Recuerda que para la técnica pianística en el Rock and Roll  la única forma en que podrás ganar fuerza y resistencia es practicar con frecuencia y precisión. Al igual que un atleta que se prepara para una gran carrera, necesitas mejorar tu condición física musical durante un largo período de tiempo. No solo eso, sino que a tu cerebro le tomará tiempo aprender nuevas habilidades: la memoria muscular, definida como la habilidad de tus manos para moverse alrededor del teclado sin demasiada atención de tu cerebro, se basa en la repetición, reforzada por la práctica inteligente.

·      Es sumamente importante entender el estilo de la pianística en el Rock and Roll, por lo que te recomendamos escuchar y analizar constantemente la interpretación del comping de los pianistas Jerry Lee Lewis, Fats Domino y Little Richard en las siguientes grabaciones:

ü Rock & Roll Hero - Jerry Lee Lewis (2001)

ü Be My Guest - Fats Domino (1994)

ü Here's Little Richard - Little Richard (1957)

Si deseas aprender conceptos fundamentales y avanzados de la técnica al piano del Rock and roll y de los diferentes estilos del Rock en el piano, matricúlate en las clases online enviando un correo al:

giovagm23@gmail.com ó giovagm23@hotmail.com.

Cada Clase tiene un costo de 10$, lo cual incluye:

* Lección en pdf

* Guia de Ejercicios en formato Pdf o musescore

* Clase online via Skype de 45min.

Atrévete a destacarte como un pianista Profesional!

Lecciones de Piano y Armonia: Introducción a los acordes en bloques

Autor: Giovanni Miranda 

La necesidad de armonizar líneas melódicas y crear improvisaciones con frases donde ambas manos ejecuten secuencias armónicas se convirtió en un elemento frecuente en las interpretaciones de grandes pianistas de Jazz desde la era de Art Tatum. Una técnica recurrente en el Jazz y que luego se convirtió en parte de las herramientas necesarias del pianista moderno es el uso de los acordes en bloques.

Los acordes en bloque consisten en armonizar una línea melódica y ejecutarla con ambas manos moviéndose de forma paralela y al mismo ritmo para lograr una mayor fuerza a las líneas melódicas. En la actualidad se generaron diferentes estilos de ejecución para acordes en bloques que dependen de la cantidad de notas tocadas, por ejemplo:

·      Bill Evans hacía improvisaciones con acordes en bloque y una sola nota en la mano derecha sobre un acorde de cuatro notas en la mano izquierda.

·       Red Garland ejecutaba acordes a dos manos de siete u ocho notas.

·   George Shearing tocaba cuatro notas con la mano derecha y una con la izquierda.

Sin embargo, el estilo que abordaremos para la lección se limitará a la ejecución de tres notas con la mano derecha y una nota con la izquierda, es empleada por grandes pianistas como Barry Harris, Kenny Barron y McCoy Tyner.

Las figuras 1.1 y 1.2 muestran la línea melódica en los primeros cuatro compases de los estándares de Jazz Blue Bossa (Kenny Dohran) y Solar (Miles Davis).

Figura 1.1. Fragmento del tema Blues Bossa de Kenny Dohran

Figura 1.2. Fragmento del tema Solar de Miles Davis

Al ser armonizados luego de aplicar la técnica de acordes en bloques, tenemos lo siguiente:

Figura 1.3. Fragmento del tema Blues Bossa aplicando acordes en bloque

Figura 1.4. Fragmento del tema Solar aplicando acordes en bloque

Armonía en posición cerrada (four-way close)

Forma la base de varios estilos de acordes en bloque, consiste en la armonización de las cuatro notas de cada acorde de la manera más cercana posible. Los arreglistas utilizan la armonía en posición cerrada cuando escriben para cuatro saxos, cuatro trompetas o cualquier combinación de cuatro voces.

Prototipos armónicos en posiciones cerradas (four-way close)

Existen cuatro formas de construir acordes para cuatro voces en posiciones cerradas, son:

·       Sexta mayor de armonía en posición cerrada

Se construye a partir de la escala bebop mayor (figura 1.5), alternándose entre los acordes de sexta y séptima disminuida. En la figura 1.6 se define el prototipo para la tonalidad de C mayor.

Figura 1.5. Escala Bebop de C mayor

Figura 1.6. Sexta mayor de armonía en posición cerrada en C

En la figura 1.6 observamos como el mismo acorde de C6 y los acordes disminuidos de séptimas se alternan con sus diferentes inversiones. Barry Harris denomina esta escala como la escala disminuida de sexta mayor.

·       Sexta menor de armonía en posición cerrada

Se construye a partir de la escala menor melódica Bebop (figura 1.7), alternándose entre los acordes de sexta y séptima disminuida. En la figura 1.8 se define el prototipo para la tonalidad de C menor.

Figura 1.7. Escala menor melódica Bebop de C

Figura 1.8. Sexta menor de armonía en posición cerrada en C

·       Séptima menor de armonía en posición cerrada

Se construye a partir del sexto grado de la escala Bebop mayor. La figura 1.9 muestra la escala del acorde Cm7 de armonía en posición cerrada, es igual a la escala de Eb6 para armonía en posición cerrada solo que comienza en la nota C. Aquí se alternan acordes en inversiones entre séptimas menores y disminuidas.

Figura 1.9. Séptima menor de armonía en posición cerrada en C

·       Séptima menor de armonía en posición cerrada

Se construye a partir de la escala Bebop mayor alterando el sexto grado, al ejecutar la escala dominante Bebop mientras se disminuye el sexto grado o se alternan las inversiones de acordes dominantes y séptimas disminuidas respectivamente.

Figura 1.10. Escala bebop mayor de C alterando el sexto grado

Figura 1.11. Séptima dominante de armonía en posición cerrada en C

Relaciones de los acordes dominantes b9 y séptimas disminuidas

Los acordes de séptima disminuida son versiones disfrazadas de acordes para la séptima dominante b9. Los acordes de séptima disminuida de los ejemplos anteriores (figuras 1.6, 1.8, 1.9 y 1.11) son acordes de G7 (b9) sin la fundamental, ya que G7 es el V grado de cualquier acorde de C.

Por lo tanto, cuando se ejecutan los cuatro prototipos armónicos en posiciones cerradas (four-way close) escuchas acordes mayores, menores y dominantes de C alternados con acordes de G7 (b9) y disfrazados de acordes de séptima disminuida.

Figura 1.12. Relación entre acordes de séptimas disminuidas con dominantes b9

Voces cerradas al estilo de George Shearing

Al tomar en cuenta los prototipos anteriores, si duplicamos la melodía a una octava más baja en la armonía de posición cerrada tenemos el estilo que George Shearing hizo popular en los años 40 y 50. La figura 1.13 muestra el prototipo de armonía cerrada con la Sexta mayor de armonía en posición cerrada en C al estilo de George Shearing.

Figura 1.13. Sexta mayor de armonía en posición cerrada al estilo de George Shearing

La figura 1.14 muestra un fragmento de los dos primeros compases del tema de Jack Strachey y Harry Link, These Foolish Things, arreglado con voces al estilo de George Shearing.

Figura 1.14. Fragmento del tema These Foolish Things al estilo de George Shearing

Reglas básicas para ejecutar armonía cerrada

En conclusión, las reglas básicas para expresar melodías en armonía cerrada son simples:

·        Las notas pertenecientes a la melodía principal de la tonalidad se armonizan en acordes mayores, menores y dominantes.

·        Las notas que no pertenecen al acorde principal se armonizan en acordes de séptimas disminuidas.

 

Rutinas de práctica

·        Los acordes en bloques generan una sonoridad diferente e innovadora en cada improvisación o interpretación de un tema, pero es necesaria mucha práctica para la digitación y su aplicación correcta.

·        La forma más eficiente y efectiva de practicar los acordes en bloques es aplicándolos en las melodías estándares de Jazz.

·        Es importante estudiar todos los prototipos de acordes en bloques descritos en la lección para las 12 tonalidades de manera ascendente y descendente.

·        Toca varias veces las escalas de armonía en posición cerrada, en primer lugar leyéndolas directamente desde la lección y luego sin leerlas. De tal manera que asegures su aprendizaje al utilizar la memoria fotográfica.

·        La siguiente lista de temas te familiarizará con la manera de aplicar y reconocer la fortaleza sonora de los acordes en bloques para improvisaciones e interpretaciones:

ü On Green Dolphin Street. Disc: '58 Sessions Featuring Stella By Starlight (Miles Davis) - 1958. Piano: Bill Evans.

ü Billy Boy. Disc: Milestones (Miles Davis) – 1958. Piano: Red Garland.

ü I See Your Face Before Me. Disc: Settin' The Pace (John Coltrane). Piano Red Garland.

Si deseas aprender conceptos fundamentales DE ARMONIA CERRADA, DROP 2, ARMONIZACION EN SEXTAS Y SEPTIMAS MAYORES Y MENORES, entre otros elementos importantes que te permitirán enriquecer tus melodías y arreglos para orquestas y ensambles,  matricúlate en las clases online enviando un correo al:

giovagm23@gmail.com ó giovagm23@hotmail.com.

Cada Clase tiene un costo de 10$, lo cual incluye:

* Lección en pdf

* Guia de Ejercicios en formato Pdf o musescore

* Clase online via Skype de 45min.

Atrévete a destacarte como un pianista Profesional!